Предмет: Инструментальное исполнительство

Класс: Педагоги

Тип материала: Методическое сообщение

Музыкальные средства выразительносити

Краткое описание работы: Методы работы над выразительностью игры на фортепиано

Музыкальное произведение наполнено содержанием, которое отражается через различные музыкальные образы. Эти образы создаются благодаря использованию целого ряда музыкально-выразительных средств, таких как мелодия, гармония, метр, ритм, фактура, динамика, тембр и темп. Каждый элемент играет свою роль в создании общей картины, настроения и смысла музыки.

        Выделение роли мелодии как главного средства выразительности является важным моментом. Однако, как верно заметил Николай Андреевич Римский-Корсаков, ритм также имеет огромное значение. Без ритма музыка теряет свою структуру и упорядоченность. Примером этому служит возможность распознать марш по ритму, даже если высота звуков не соответствует оригиналу. Ритм организует звучание во времени, придавая музыке ясность и форму.

       Таким образом, оба элемента — мелодия и ритм — работают вместе, создавая целостный музыкальный образ, который способен вызывать у слушателей разнообразные ассоциации и эмоции.

         Развитие ритмических способностей у учащихся — важная задача, поскольку ритм является основой музыки и помогает создать структурированную, осмысленную композицию. Различные методы, предлагаемые педагогами, помогают ученикам лучше понимать и ощущать ритм через визуализацию и активное участие.

        Использование вертикальных черточек для обозначения равных долей — простой и эффективный способ, позволяющий визуально представить равномерную пульсацию времени. Стихотворение, где каждый слог изображён в виде такой черточки, создаёт ассоциативную связь между звучащим словом и ритмом, помогая ученику синхронизироваться с музыкой.

       Черные и белые кружочки, предложенные некоторыми авторами, служат дополнительным средством визуализации, делая процесс обучения еще более наглядным. Использование разных длин вертикальных палочек позволяет передать идею разнообразия ритмов, показывая, как длительность нот влияет на общую картину произведения.

       Игровые элементы, такие как ритмическая игра-говорилка "Столовая", делают обучение увлекательным и доступным для детей. Юмористический контекст задания способствует лучшему восприятию материала и вовлечению учеников в процесс.

       Эти методики подчеркивают важность междисциплинарного подхода в обучении музыке, объединяя слуховые, визуальные и моторные аспекты восприятия ритма

       Подстановка ритмических долей к словам, разработанная Карлом Орфом, остаётся эффективным методом обучения. Она помогает ученикам установить связь между размером такта и ритмическим рисунком, что делает изучение музыки более осмысленным и интересным. Упражнения, подобные созданию поезда с вагонами, наполненными ритмическими блоками, позволяют ученикам наглядно представлять размер такта и его составляющие.

       Также важно отметить, что знакомство с основными ладами — мажором и минором — должно происходить с акцентом на эмоциональное восприятие музыки. Понимание того, что разные лады передают различные настроения, способствует формированию у учащихся способности интерпретировать и выражать эмоции через музыку.

II.Ладовая организация музыки играет ключевую роль в формировании характера и эмоционального содержания музыкального произведения. Мажорный и минорный лады традиционно ассоциируются с разными настроениями: мажор чаще воспринимается как светлый и радостный, тогда как минор передаёт грусть или драматизм. Однако композиторы часто выходят за рамки традиционных ладовых структур, используя необычные лады или смешивая элементы мажорного и минорного ладов для достижения уникальных эффектов.

       Примеры, приведённые в тексте, демонстрируют разнообразие ладового мышления и его влияние на создание музыкальных образов. В «Аппассионате» Бетховена контраст между минорной и мажорной версиями одной и той же темы подчёркивает различие в эмоциональной окраске. В произведениях Дебюсси, например, в пьесе «Девушка с волосами цвета льна», плавающие переходы между мажором и минором создают ощущение воздушности и прозрачности, что идеально соответствует поэтическому названию произведения.

       Эти примеры иллюстрируют, насколько богат и многогранен музыкальный язык, когда композиторы экспериментируют с ладовыми структурами, расширяя границы традиционного понимания гармонии и мелодики

        Музыкальная гармония играет важную роль в создании и развитии музыкального образа, оказывая значительное влияние на общее настроение и атмосферу произведения. Аккорды и их последовательности формируют многоголосную ткань, которая обогащает музыкальную палитру и усиливает выразительность. Педагоги уделяют особое внимание изучению гармонии, предлагая ученикам внимательно прислушиваться к отдельным аккордам и их комбинациям, стремясь понять их выразительное значение.

        Гармония способна создавать состояние напряжения или покоя, что проявляется в диссонансах и консонансах соответственно. Диссонансные созвучия могут звучать мягко или остро, добавляя динамичности и эмоциональной насыщенности музыке. Особое внимание уделяется альтерированным созвучиям, которые часто встречаются в программной музыке и обладают уникальными выразительными возможностями.

        Исполнение аккордов требует особого внимания к технике звукоизвлечения. Важным аспектом является использование веса руки и опоры на клавиатуру для достижения выразительного и естественного звучания. Прием «хапандо», предложенный Г. Нейгаузом, предполагает аккуратное взятие аккорда с погружением веса руки в клавиатуру, что обеспечивает компактное и сильное звучание без излишней резкости.

       Таким образом, гармоничное сочетание выразительных средств, включая мелодию и гармонию, позволяет музыкантам эффективно воплощать художественную задумку и создавать яркие и запоминающиеся музыкальные образы.

        Орнаментика, изысканность оформления музыкальных фраз и гибкость мелодий являются ключевыми особенностями шопеновской музыки, добавляющими ей неповторимый шарм и индивидуальность.

         Важнейшим элементом обучения музыканта является развитие мелодического слуха, включающего умение слышать не только высоту звука, но и его динамические и ритмические особенности. Формирование мелодического слуха тесно связано с работой над интонацией, которая придаёт музыке объём и жизнь, наделяет её выразительностью и эмоциональной окраской. Глубина эмоционального переживания мелодии напрямую связана с точностью и гибкостью её исполнения.

Методы работы:

1.Проигрывание на инструменте мелодического рисунка отдельно от сопровождения.

2.Воспроизведение мелодии с аккомпанементом учеником и педагогом.

3.Исполнение на фортепиано отдельно партии аккомпанемента с пропеванием мелодии “про себя”.

4.Максимально детализированная работа над фразировкой музыкального произведения. Важной составляющей в работе над мелодией является работа над фразой. Показ преподавателем двух вариантов исполнения эпизода с целью развить умение слышать и избирать необходимое звучание для создания верного музыкального образа. (Преподаватель исполняет, учащийся активно слушает и делает правильный выбор.) Такой метод работы активизирует восприятие ученика и помогает создать образ, к которому нужно стремиться.

При работе над фразировкой, которая является одним из средств выражения художественного образа музыкального произведения, вместе с учащимся необходимо обсудить строение фраз, интонационные вершины и кульминационные точки, обратить внимание на дыхание в музыкальной фразе, определить моменты дыхания. “Живое дыхание играет в музыке первенствующую роль”, – А. Гольденвейзер.

Во время исполнения обращаем внимание на то, что для достижения певучего звука мы используем следующие приёмы и методы работы:

1.Совершенствуем исполнение штриха legato. Пальцы держим как можно ближе к клавишам. “Пальцы прорастают в клавиатуру до дна”, – Г.Нейгауз.

2.Используем различные приёмы и способы звукоизвлечения посредством умелого ведения мелодической линии, “когда один звук переливается в другой без толчков или провалов, и затухающая нота подхватывается следующим звуком с той же силой, с какой она затихла”, – К. Игумнов.

3.Ученик должен слышать наполненность каждого звука и всю фразу в целом.

4.Во время игры правильно пользоваться весом руки.

5.При игре legato важно умение объединять звуки на одном движении.

Правая рука должна вести свою мелодическую линию с яркой звуковой выразительностью и ощущением живого развития музыкальной фразы. Левая рука должна играть сопровождение цельно, полностью подчиняясь движению мелодии, дополняя её звучание и помогая её развитию.

Для того, чтобы музыкальное интонирование мелодии в пьесе имело ясное речевое начало, можно использовать с учеником такой метод, как сочинение текстов под музыкальные фразы. Нельзя забывать, что основные недостатки в исполнении кантилены в большинстве случаев связаны с недослушиванием звука и недостаточным ощущением живого движения мелодии. Дослушивание звука особенно необходимо для достижения цельности и естественности фраз пьесы. Работа над кантиленой, в отличие от других видов технической работы, не эффективна при дремлющем музыкальном чувстве. Эмоциональное отношение к исполняемому, слух – все должно быть мобилизовано, обострено.

Значительное музыкально-выразительное средство – это громкость звучания. Динамика. «Возможно передать сто динамических градаций, помещающихся между пределами, которые я называю: ещё не звук, и уже не звук».   Г. Нейгауз.

Динамика — сила звука, динамические оттенки (нюансы) — оттенки силы звука.

Музыкальная динамика, отражающая изменения громкости звучания, глубоко коренится в природных явлениях, окружающих нас. Громкие и тихие звуки, а также разнообразные оттенки громкости присутствуют не только в музыке, но и в повседневной жизни. Примеры природы, такие как громкая гроза и едва слышный дождь, наглядно демонстрируют широкий спектр динамических возможностей, которые музыканты могут использовать для создания музыкальных образов.

        Crescendo и diminuendo, постепенное увеличение и уменьшение громкости, являются природными феноменами, встречающимися повсеместно. Ветер, начинающий тихо шелестеть листьями и постепенно набирающий силу, а затем утихающий, представляет собой прекрасный пример естественной динамики, которая также присутствует в музыке.

        Для создания яркого музыкального образа важно продумывать динамический план произведения. Анализируя содержание пьесы совместно с учеником, можно определить основной динамический фон и найти моменты, где динамика должна меняться, чтобы подчеркнуть важные моменты и усилить эмоциональное воздействие музыки.

 Конечно, работа над звукоизвлечением в пьесе не может рассматриваться в отрыве от педализации. Следует заметить, что в некоторых моментах педаль может являться фактурно-необходимой. На начальном этапе обучения ученику объясняются основные виды педализации. Педаль бывает «прямой», «запаздывающей». Если в пьесе предполагается «запаздывающая» педаль, необходимо обратить внимание ученика, с одной стороны, на осознание глубины нажатия педали, с другой, на правильное, естественное запаздывание. Прием взятия и снятия педали отрабатывается сначала на простейших упражнениях, а затем поочередно и вместе с аккомпанементом, мелодией.

         Из главных средств музыкальной выразительности складывается «лицо» любого музыкального произведения. Но у каждого лица может быть множество выражений. И «выражением лица» «ведают» дополнительные средства. Фактура — одно из них. Дословно «фактура» означает «обработка».    У каждого музыкального произведения есть своя «звуковая ткань». Когда мы слышим красивую мелодию или необычную гармонию, то нам кажется, что эти средства выразительны сами по себе. Однако, чтобы мелодия или гармония зазвучала выразительно, композиторы используют различные приёмы и способы обработки музыкального материала, разные виды музыкальной фактуры.    Фактура — это способ обработки музыкального материала. Может быть, оттого, что фактура наиболее ярко выражает область музыкального художества, сочетая в себе линии, рисунки, нотную графику, она получила множество образных определений, пожалуй, больше, чем все другие средства музыкальной выразительности. «Музыкальная ткань», «узор», «орнамент», «контур», «фактурные пласты», «фактурные этажи» - этот ряд метафор обнаруживает присущее фактуре зрительное, живописное, пространственное начало.

При работе над фактурными трудностями необходимо уделить пристальное внимание двигательной стороне исполнения. Работа над игровым аппаратом учащегося – стремление сделать его гибким, послушным, должна находиться в поле зрения педагога. Фортепианной игре вредит пассивность, приводящая к недобиранию звука и общей пассивностью игры. Организованность движений должна сочетаться с освобождением от лишних напряжений. Излишние напряжения могут возникать в мускулах пальцев, запястья, локтя, лица, шеи и в др.местах, что может привести в будущем к нежелательным последствиям в исполнении. Значительную пользу в борьбе с напряжениями могут оказать некоторые двигательные приемы: «дыхание» кисти, беззвучное проигрывание трудного пассажа или фигурации. К.С.Станиславский говорил, что во время больших эмоциональных подъемов ослабление мышц должно стать более нормальным, чем их напряжение. Нужно внимательнее вслушиваться в свою игру и добиваться требуемой звучности.

Говоря о тембре, уместно привести слова Н.Римского-Корсакова: «Искусство сочетания оркестровых   звучностей есть одна из сторон души самого сочинения».

Музыкальные тембры нередко сравнивают с красками в живописи. Подобно краскам, выражающим цветовое богатство окружающего мира, создающим колорит произведения искусства и его настроение, музыкальные тембры также передают многоликость мира, его образы и эмоциональные состояния. Музыка вообще неотделима от тембра, в котором она звучит. Поет ли человеческий голос или пастушья свирель, слышится напев скрипки или переливы арфы - любое из этих звучаний входит в многоцветную палитру тембровых воплощений музыки. Музыка как раз и состоит из разнообразия таких воплощений, и в каждом из них угадывается его собственная душа, неповторимый облик и характер. Поэтому никогда композиторы не создают такую музыку, которая может быть предназначена для любого тембра; каждое, даже самое маленькое, произведение непременно содержит указание на инструмент, который должен ее исполнять.

Что делает музыку действительно неповторимой, незабываемой? Как уйти от безликости музыкального произведения, сделать его ярким, интересным для слушания? Какими средствами музыкальной выразительности пользуются композиторы и исполнители, чтобы добиться этого эффекта? На все эти вопросы я постараюсь ответить.

Каждый знает, или догадывается, что сочинение музыки — это не только написание стройного ряда нот… Музыка — это еще и общение, общение композитора с исполнителем, исполнителя со слушателями. Музыка – это своеобразная, необыкновенная речь композитора и исполнителя, с помощью которой они раскрывают перед слушателями все то сокровенное, что таится в их душах. Именно с помощью музыкальной речи они устанавливают контакт с публикой, завоевывают ее внимание, вызывают эмоциональный отклик с ее стороны.

Как и в речи, в музыке два основных средства передачи эмоций – это темп (скорость) и динамика (громкость). Это два главных инструмента, которые используются для того, чтобы превратить четко отмеренные ноты на письме в гениальное музыкальное произведение, которое никого не оставит равнодушным. При выборе темпа руководствуемся указанием автора. Темп должен позволить ученику услышать и передать разные пласты фортепианной фактуры, услышать мелодию, ощутить и передать тембровую окраску.

Музыкальные тембры нередко сравнивают с красками в живописи. Подобно краскам, вы...

Тембровая палитра музыки действительно схожа с цветовой палитрой в живописи, обеспечивая многообразие звукового выражения и передавая уникальные образы и эмоциональные состояния. Каждое музыкальное произведение обладает своим уникальным характером и обликом, которые зависят от выбранного тембра. Композиторы специально указывают инструменты, предназначенные для исполнения их сочинений, потому что каждая деталь тембра добавляет уникальное измерение к общему впечатлению от музыки.

         Чтобы избежать безликости и сделать музыкальное произведение ярким и интересным, композиторы и исполнители используют разнообразные средства музыкальной выразительности. Темп и динамика играют центральную роль в передаче эмоций и установлении контакта с аудиторией. Темп позволяет изменять скорость исполнения, а динамика регулирует громкость, превращая набор нот в полноценное музыкальное высказывание.

         Выбор правильного темпа важен для того, чтобы ученик мог почувствовать и передать различные слои фортепианной фактуры, мелодические линии и тембральную окраску. Следуя указаниям автора, исполнитель может оживлять музыку, делать её доступной для восприятия и вызывать эмоциональны

Итоговым результатом обучения музыке являются следующие цели и задачи:

1. Развитие музыкального слуха: Ученик должен уметь различать и воспроизводить музыкальные звуки, интервалы, мелодии и ритмы.

2. Формирование технических навыков: Умение играть на инструменте, владеть правильной техникой исполнения, развивать координацию рук и пальцев.

3. Понимание музыкальной структуры: Осознание формы музыкального произведения, его частей, динамики, темпа и общего настроения.

4. Творческое самовыражение: Способность интерпретировать музыкальные произведения, вносить индивидуальные штрихи в исполнение, проявлять творческую инициативу.

5. Любовь к музыке: Воспитание эстетического вкуса, интереса к различным жанрам и стилям музыки, желание продолжать учиться и совершенствоваться.

Подводя итог, хочется отметить, что каждый педагог ищет свой собственный путь в обучении и познании учеником прекрасного, глубокого и безумно красивого мира музыки, опираясь на свой опыт и знания, но, ставя перед собой единую цель и задачу, каждый ожидает увидеть определенные результаты обучения.

1.Ученик приобретет навыки самостоятельного анализа музыкального содержания произведений, научится видеть в тексте и грамотно использовать средства музыкальной выразительности.

2.Приобретет способность управлять в процессе исполнения развитием музыкальной мысли, оперировать образами; активно сопереживать исполняемым произведениям.

3.Проявит интерес к дальнейшему изучению произведений, инициативу в выборе пьес для исполнения, продемонстрирует собственное прочтение изучаемых произведений.

Педагогические принципы, лежащие в основе работы на уроке, помогают наиболее эффективно достичь результатов в обучении:

учет индивидуальных особенностей развития;

доброжелательная атмосфера;

создание ситуации успеха;

творческий подход;

свобода мнения;

избегание запрета.

 Список используемой литературы:

1.     Алексеев А. Методика обучения игре на фортепиано. М.,1978.

2.   Баренбойм Л.  Вопросы фортепианной педагогики и исполнительства. Л.,1974.

3.     Нейгауз Г. Об искусстве фортепианной игры. М.,1982.

4.     Либерман  Е. Работа над фортепианной техникой. М.,2003

5.    Тимакин Е.М. Навыки координации в развитии пианиста, 1987 г.

6.    Москаленко Л.А. Методика организации пианистического аппарата в первые два года обучения